La peor pesadilla de una mujer insegura –algo así como el 99% de la población femenina mundial– es estar rodeada de los hombres 10 que tanto busca  y que ninguno la mire. Esos hombres preocupados de su cuerpo, con looks actuales, bien vestidos, con un corte de pelo ad-hoc, independiente, profesional… mino. Cuando mi mejor amiga me hinchó y me hinchó las pelotas para que la llevara a la disco que frecuento se lo advertí: “Te van a gustar a todos pero ninguno te mirará”. Es que una disco gay –que no sea frecuentada por los sub 25 que es otro cuento– es la peor pesadilla de una mujer de hormonas simples. ¿La razón? El hombre heterosexual promedio olvidó aquel viejo proverbio que reza: “El que quiera celeste… que le cueste”.

Creo sinceramente que vestirse bien es más fácil que hacerlo de forma errada; pero basta mirar un poco el look del santiaguino promedio para darse cuenta que han hecho un esfuerzo sobrehumano para verse mal. Siempre me pregunto si se habrán levantado temprado para poder decidir la forma más fea de combinar su ropa. Lo típico es que en horario de oficina lleven chaqueta y pantalón negro con una camisa blanca, ambos tres tallas sobre la indicada y con un uso promedio de un año para la camisa y tres años para el traje. Y si es horario libre, dependiendo de la edad, será un jeans azul básico, camiseta de liquidación Falabella –si es que se tiene suficiente dignidad como para no usar una con frase “chistosa” tipo metrosexual– o pantalones cortos y camisa Polo de feria.

Y sería, a eso se resume el look del hombre promedio. Ese es todo el esfuerzo por verse bien, no hablemos ya de un matrimonio o una entrevista de trabajo en donde el cuello Mao con la camisa roja NO son la opción –una camisa roja nunca es una opción–; hablo simplemente del look diario, de las capas de ropa que dicen a todo aquel que nos mire quiénes somos y cómo queremos ser tratados.

Todos sabemos y creemos que lo importante va por dentro, que los sentimientos son lo más maravilloso del mundo y que la inteligencia es lo que realmente define a una persona. Por lo mismo ni ustedes ni yo repetiremos esa estupidez de “me da lo mismo como me veo, lo que importa es lo de dentro” y es que ustedes y yo somos lo suficientemente inteligentes como para saber que esa frase responde a la ignorancia, los complejos y traumas de gente con la L grabada a fuego en la frente. Ustedes y yo sabemos que la primera impresión es la vía más efectiva para poder demostrar lo que llevamos por dentro: es el punto de partida.

Como les dije antes, al que quiera celeste que le cueste. Gracias a Dios no es tan difícil verse bien, basta con saber donde cómo y por cuanto –si no tienen el cómo… la gente que atiende los ayudará– de todos modos si pueden vayan con una amiga-polola-el-amigo-maricón-que-todos-tienen. Si no tienen me llaman y hacemos  la versión chilensis de Queer Eye For The Straight Guy.

Qué comprar

Hablamos con Patricio Soto, el diseñador de la –muy tremendamente fetiche del autor–  línea “Parentesys” y le preguntamos sobre los grandes errores del chileno promedio al momento de vestirse: “Al final se trata –como irán imaginando– de probarse al menos dos tallas y ver como quedan frente al espejo, por eso recomiendo ir acompañado, siempre es más llevadero si tienes a alguien que te diga lo ridículo que te ves”, comentó.

¿Qué prenda crees que sea imprescindible?

Una prenda por sí sola no hace el estilo. No obstante un zapato bien elegido puede levantar un look débil o al contrario, un zapato mal elegido puede destruir la mejor de las pintas. En ese sentido yo tiraría la basura todos los zapatos brasileros no por su calidad, si no por su diseño.

¿Algún nombre que se te venga al cabeza?

(Risas) Ferracini o algo así. Es increíble como llegaron y no sólo se supieron feos, sino que se adecuaron de inmediato a un perfil de persona.

¿Te aventuras a dar un consejo a una persona perdida en el mundo del buen vestir?

Reglas básicas sí. Usar ropa de la talla apropiada, aunque suena obvio, no todo el mundo aplica un criterio tan básico. Los colores básicos y/o sobrios siempre quedan bien a todo el mundo. La ropa plástica solo sirve para la lluvia.

Pequeña guía para el buen gusto

Si nunca en su vida han escuchado hablar de la rosa cromática mezclen de a dos colores, café con verde, negro y blanco,  celeste y gris, negro y rosado, etc. Si el daltonismo les gana mezclen el mismo color en distintos tonos. Deben usar la ropa en la talla correcta, una camiseta no debiera nunca pasar 5 centímetros por debajo del cinturón ni hacer bolsa en ninguna parte –las poleras apretadas déjenselas a los musculines y fans de Lady Gaga–. Un pantalón no tiene porque necesitar un cinturón para afirmarse, es preferible el talle alto y un asomo de pitillos –usar pitillos completos sin ser indie… mejor no- .

Una buena opción para mejorar el look es darse vueltas por el drugstore de Providencia ubicado en Providencia 2124, es algo así como un mall pero sin las nefastas tiendas por departamento: tiendas como “Zebra” o “Lust For Life” son opciones buenísimas a la hora de elegir un nuevo look –ahora, si andan con lucas, las chaquetas de cuero de Lust For Life son maravillosas–.

Otra opción siempre buena es recurrir a diseñadores nacionales, la mentada línea “Parentesys” está exponiendo su trabajo por estos días en el tercer piso de la tienda “NGR”, en Monjitas con Mosqueto. Denle una vuelta a las poleras y las camisas. Subiendo por Monjitas encontrarán la tienda del farandulín chileno Benjamín Vicuña “Bautista” que, además de una selección de ropa Adidas que está que se sale de buena, tienen desde camisetas hasta zapatos cuidadosamente seleccionados. Si tienen problemas para crear un look completo en Bautista lo encontrarán hecho. Un must de la tienda son las poleras en colores básicos: vale la pena.

Ahora si están en el extremo de las lucas en positivo dense una vuelta por el hall central de Bellas Artes, en Merced 364, donde incluso si no son fanáticos de la ropa, ansiarán tener las 100 lucas que cuesta un abrigo del diseñador nacional Ignacio Lechuga o un traje de Santiago del Valle.

Si por el contrario están en el otro extremo o si simplemente son apretados con la plata, Bandera es la calle para perderse: con paciencia entre los mostradores y las pilas de ropa les aseguro que siempre pueden encontrar maravillas; sólo basta un poco de suerte y tener bien definido el look en sus cabezas.

Algo que nunca deben hacer es el look multitienda. Guarden la CMR para línea blanca o electrónica, lo que viste el maniquí de falabella JAMÁS será un buen look; es tautológicamente errado. Por otro lado tiendas como “Zara” o “AX” la única forma de usarlas sin que sea un error es que sea imposible adivinar que provienen de esas tiendas. Aún así son una pésima y sobrevalorada opción.

No somos lo que vestimos, pero es importante que lo que vestimos sea una expresión de lo que somos. El mal gusto no refleja humildad, no es cool ni es una opción: es solo una muestra de inseguridad, de despreocupación y mediocridad. La verdad es que no es difícil armarse de un armario decente, bastan unas pocas prendas bien seleccionadas que puedan combinarse entre ellas. Así que vamos dejando la paja, juntando un par de lucas y prepárense para gritarle al mundo –de la manera más afinada posible– quiénes son y de qué están hechos.

Fotos: alvaroarriagada.com (CC) y Parentesys

Tiene 27 años y vive en el mundo de la música desde hace 20. Uno de los 100 Líderes Jóvenes 2007 de El Mercurio, este revolucionario docto acerca la música a las multitudes, gratuitamente y con mucha pasión. Se ha presentado en casi todos los escenarios capitalinos. Crea orquestas y ensambles, educa a la gente y si es necesario, moviliza a toda una facultad para ayudar a los que más lo necesitan. Para él, todo eso va de la mano.

Últimamente anda muy apurado. El decano de Ciencias de la Universidad de Chile, Raúl Morales, su padre, es candidato para suceder al actual rector y hay muchas reuniones que atender. Orión tiene 27 años, es moreno, usa lentes y mira a los ojos cuando habla con la gente. Para en un café de Plaza Italia, donde se permite un descanso y un agua mineral.

El músico temprano

Empezó con el piano a los 7 años, cuando ingresó al conservatorio. A los 18 ya había completado el ciclo básico, se había presentado en la mayoría de los escenarios de Santiago y también en varios de la V Región. Lo explica así: “Yo soy el cabro chico cuyos padres dijeron: queremos tener un hijo artista y queremos que haga eso no más”.

A los 10 años ya creaba sus propias piezas: “Yo nunca fui un muy buen pianista, entonces componía para poder pasar los cursos. Por ejemplo, teníamos un ramo que era estudiar a Chopin; yo no podía tocarlo, así que yo creaba melodías muy parecidas a las de Chopin y decía que eran de él. Mis profesores compraban”.

Cuando cumplió la mayoría de edad, ingresó a la Escuela Moderna de Música, de donde egresó como compositor y director de orquesta. Desde entonces no ha parado de crear proyectos.

El rol social

El padre de Orión es Decano de Ciencias y su madre tiene un alto cargo en Caritas Chile, así que no podía ser de otra forma. El compromiso del músico es acercar la cultura y las artes a la gente, para así formar personas integrales en la sociedad. Ese es su aporte.

¿Cómo lograste que El Mercurio se fijara en ti sin ser empresario ni trabajar en Un Techo Para Chile?

Mi rollo es principalmente la cultura. Yo creo que en ese sentido los de la orquesta y yo somos personas muy proactivas, que podemos traer un piano y ponernos a tocar, y es muy fácil que lleguemos a la gente. Tengo la composición muy ligada al tema social y creo que eso fue lo que vieron los Jóvenes Líderes, porque va de la mano. Para mí, el arte sin rollo social no es arte. Si el arte no tiene impacto en la sociedad, si no refleja lo que está pasando, no me interesa.

¿Y qué iniciativas han realizado para llevar “la cultura y arte para todos”?

Bueno, en nuestros conciertos no se paga entrada. Son todos abiertos para que pueda entrar el joven estudiante que no puede pagar 3 o 4 lucas para entrar al club de jazz. Entonces si paga su pasaje, llega al concierto y llena el aula, nosotros semana a semana los iremos acostumbrando a escuchar música. Entonces en 5 años más, cuando ellos egresen, tendrán el afán de ir a escuchar arte y claro, el dinero para invertir en eso. Pero alguien tiene que darse el trabajo de educarlos.

Llegó un minuto en que dijimos: “oye, ¿por qué no hacemos esto a nivel nacional? Vayamos a las universidades y pueblos más pequeños que hay en Chile”, y fue así que empezamos a recorrer el país, ganando proyectos y todo. Fuimos al sur, principalmente. Nos invitaron a las Semanas Musicales de Frutillar y claro, como ellos ponen el bus y la estadía, entonces podíamos ir parando en cada pueblo que tuviese más de 100 personas y dar un concierto.

Entonces el viaje Santiago-Frutillar duró como una semana…

Duró como 12 días. Cuando llegamos a Frutillar estábamos muertos, creo que fue el peor concierto que dimos. Pero nuestro afán, más que llegar a Frutillar, era eso: poder ir a lugares donde la gente nunca hubiera visto una orquesta.

El año pasado postulamos a dos Fondart y los ganamos. Uno de ellos consistía en llegar al norte, hasta Iquique: un viaje largo que era muy difícil realizar con el aporte de privados. El proyecto consistía en que entre Pica y La Serena ofreceríamos 20 conciertos en 12 días. Fue hermoso llegar a Pica, un pueblo que no veía una orquesta desde hace 50 años. Como para la gente era todo nuevo, el concierto ahí empezó cuando llegamos. Nos regalaron comida, leche con mango y pisco sour.

También hubo lugares que tenían orquestas amateur, entonces nosotros llegamos y pudimos hacer intercambio de material, les regalamos partituras. Porque el problema es que las orquestas simples tocan música clásica porque no hay más repertorio. Por así decirlo, no hay ningún huevón que se quiera sentar a componer cosas simples para las orquestas municipales o de colegios. Mi labor es entonces crear este repertorio para regalárselo a la gente para que ellos lo vean y puedan ponerlo en práctica.

En todos los pueblos fue una revolución. Primero, la Universidad de Chile hizo presencia; segundo, pudieron ver un show donde se mezcla la identidad latinoamericana con los valores en nuestras letras, como la disciplina y la perseverancia; y por último, donde la música es contemporánea, se hace aquí y ahora, y podría estarse tocando en Japón o Alemania y sería de vanguardia.

La orquesta más activa del país

Orión y su orquesta están acostumbrados a dar dos o tres conciertos diarios. Él diría que son la orquesta que más conciertos realiza de Chile. Entre octubre y noviembre de 2009 se presentaron 50 veces. Las Big Bands tienen un promedio de 8 conciertos por año y la Sinfónica, 120.

La vida del artista

Si todo es sin fines de lucro, ¿cómo vives?

En este minuto, a los 27 años, no hay muchas cosas en las que gastar. Yo gasto en bencina, un arriendo básico… La verdad es que, siendo muy sincero, con 300 o 200 mil pesos, yo vivo tranquilo.

¿Y de dónde sale ese dinero?

Yo soy compositor. Tengo la posibilidad de que la gente me llame, me pida una canción y yo le cobre por eso. Vivo con ese mínimo y no necesito más, el resto es para la orquesta, para la cultura. En general, los músicos del grupo piensan así: están entre los 23 y 24 años. El artista se debe preocupar de hacerse un nombre, dejar huella; entender que el dinero es un concepto que no debería ser preocupante. Uno tiene que estudiar y aportar, los valores van por otro lado: valores humanos, sensaciones, cultura, integridad.

Peralillo y Población

¿Cómo cambió la labor social de tu orquesta tras el terremoto?

Nosotros tenemos un compromiso con la sociedad en el sentido de que tenemos que aportar. Todos vivimos el terremoto y nos dimos cuenta que la ayuda iba para las VII y VIII Regiones, pero uno de los chicos de la orquesta es de Rancagua y comentó que había varios pueblos en la zona que estaban destruidos y no llegaba ningún tipo de apoyo estatal. Entonces con Miguel Fonseca, el bajista del grupo, agarramos la camioneta y nos fuimos a recorrer la VI Región. Llegamos a Peralillo y Población, donde estaba la embarrada.

Hicimos un viaje importante, alrededor de 50 personas: médicos, sicólogos, arquitectos y profesores, además de gente dispuesta a limpiar el pueblo. Alrededor de 15 autos, camionetas y camiones en caravana.

Por ahora, la orquesta está dando conciertos para juntar dinero y poder ayudar a Peralillo. No podemos llevar solamente los víveres, sino ayudarlos a proyectar qué va a pasar con ese pueblo de aquí a diez años. Su economía se desarmó: perdieron sus cultivos, la mercadería y abarrotes. Lo que ellos necesitan en este minuto es una arquitectura urbana y no solo en el nivel de los edificios: ayudarles a aprender de qué van a vivir y cómo se van a organizar.

Mi plan es que, así como Pomaire vive de la greda, hagamos pueblos donde vivan alrededor de las artes o los deportes. Con cuatro o seis profesores por pueblo que organicen actividades deportivas o artísticas sería posible lograrlo. Así como en Europa nacen los pueblos y ciudades de artistas, donde solo viven de la música y todos tocan. Además, así no todo se centraría en Santiago y podríamos ayudar a la descentralización del país. Espero que cuando la gente venga a Chile y quiera escuchar música vaya a Frutillar, Viña, etc; a la greda, Pomaire; los deportes, no sé… algún pueblo que esté marcado por eso. Las artes son más caras, pero el deporte es mucho más barato.

Conociendo a los viejos maestros, que hoy tienen 50 o 60 años, felices se irían a jubilar a lugares menos ruidosos, donde puedan enseñar lo que saben. Y hay que convencer a las grandes universidades de que apadrinen localidades, para acercar así la cultura y formar personas integrales, que es lo que falta en este país.

La Plaza Mulato Gil de Castro y un delicioso café fueron el contexto para una conversación interesantísima con María Prieto ―administradora de Veo Verde, un blog de temas medioambientales― sobre ecología, emprendimiento verde ―que, para este propósito, definiremos como la creación de empresas cuyo producto o servicio está directamente ligado al cuidado del medioambiente― y otros temas relacionados.

Al comenzar, María reconoce:

Yo venía a Chile de vacaciones por 3 meses y al matrimonio de mi hermana. Cuando llegué, me llamaron de la radio para que explicara este concepto tan novedoso de la “Agricultura Biodinámica” que nadie parecía entender y de a poco comencé a meterme en iniciativas de este tipo. Así me ubicó la dueña de Apio Palta ―empresa que comercializa y reparte a domicilio productos orgánicas― con los que comencé a trabajar en el mercado orgánico nacional, pensando que sólo se me alargaría unos 3 meses más la estadía, pero ya van 2 años y no tengo planes de irme.

María echó raíces y dio rienda suelta a sus ideas. Comenzó “Sophia S.A.” ―empresa de asesorías en agricultura biodinámica para campos―, “Plataforma Neta.org” ―empresa que actualmente se dedica a la Responsabilidad Social Empresarial Medioambiental y eventos sobre agricultura, paisajismo y diseño enfocadas al desarrollo sustentable― y “Naturales y Pulentas” ―una tienda en Luis Pasteur 6371, Vitacura, donde vende productos orgánicos―, entre otras iniciativas. Además comenzó una familia que pronto crecerá en un integrante más.

María suspira cuando recuerda sus comienzos como emprendedora. Dice que su primer proyecto/empresa fue cuando iba en primero medio, donde iba sala por sala en su colegio contando las novedades en ecología, pero cuando convocó al primer encuentro, sólo su hermana apareció. Ese fracaso no le impidió seguir intentándolo, ya que la perseverancia es una de las principales características de un emprendedor. Hoy, luego de estudiar Literatura en la Pontificia Universidad Católica de Chile y Agricultura Biodinámica en Emerson College de Inglaterra, y de haber recorrido el mundo gracias a su trabajo, tiene una variedad de empresas, todas relacionadas directamente con lo ecológico y lo orgánico.

Se ríe y filosofa:

Yo no soy de las que se encadenan a los árboles para evitar que los corten. Esos eran los ecologistas del ‘50. Hoy no sabemos si llegaremos a solucionar el problema, pero eso no nos detiene a la hora de hacer algo. Los ecologistas de hoy sabemos trabajar por el Medio Ambiente desde dentro del sistema.

Nos cuenta que hoy cada vez más gente se está ligando al Mundo Verde, porque se están sumando una serie de tendencias: la Responsabilidad Social Empresarial, la inseparabilidad de la Economía con la Ecología y la conciencia de que somos responsables por el planeta que le dejaremos a nuestra descendencia.

María alega que lo orgánico en Chile no ha pegado tanto porque existe un prejuicio sobre el precio de esta clase productos, aparte de que están poco disponibles en supermercados. Cuenta que a veces hay una diferencia de precios, pero es sólo en algunas categorías y considera que no es muy alta. Además, argumenta que el sabor es un diferenciador clave. Sus ojos se iluminan cuando recuerda la primera vez que probó un producto orgánico:

Quizás los más jóvenes no lo notan, pero cuando probé ese tomate era como aquel tomate que comía cuando tenía 5 años… Totalmente distinto al que encuentras hoy en el supermercado.

Ella confiesa no haber buscado ayuda del Estado, por lo que no sabe si existe ayuda para este tipo de iniciativas. Sin embargo, declara que la Corfo, con su Capital Semilla, puede ayudar a los emprendedores con ideas innovadoras y con alto potencial de crecimiento, independiente de si se trata de emprendimiento verde o no. A la vez, cuenta que por honesta ha debido sufrir por algunas trabas aduaneras ―ya que las semillas que usa son certificadas, orgánicas e importadas desde Israel―, pero al final reconoce que el problema se soluciona informándose bien sobre el teje y maneje de las aduanas.

Finalmente, María se muestra optimista cuando mira el futuro. Reconoce que cuando llegó, Chile estaba bastante lejos de lo verde, pero que hoy se nota un avance importante: hay más productos orgánicos en los supermercados, se ve que las empresas enfocan su responsabilidad social empresarial a la ecología y es posible observar una preocupación general de algunos sectores de la sociedad por una vida más sana y saludable para ellos y para los que vendrán en el futuro.

Fotografía: (c) María Prieto

En sus giras, el guitarrista chileno Claudio Cordero ha visto cosas sobrecogedoras: las pirámides de Teotihuacán, el Cristo Redentor, el Palacio de Versalles. Pero la experiencia que pasó en los Alpes franceses le parece hasta hoy la más impresionante de todas, cuando vivió la música en un pueblo remoto, tomando vino tinto y comiendo empanadas chilenas.

Por Fabián Núñez Acevedo.

Claudio Cordero tiene una vida poco frecuente entre los músicos chilenos. A sus 31 años ha sido parte de numerosas bandas, tanto criollas como extranjeras, con las que ha girado por Brasil, México, Costa Rica, Argentina, España, Italia y Francia. Fue en este último país, en una localidad que le pareció perdida en el tiempo, donde vivió su historia más querida y también más sorprendente, la que resulta su favorita hasta el día de hoy.

Entre el 16 y 19 de mayo de 2007 se realizó en Marsella el festival Prog’Sud, cuatro noches de rock progresivo con bandas de todo el mundo. Claudio fue parte del trío estadounidense-mexicano-chileno Oxygene 8, cuya presentación ocurrió el último día. El evento fue un éxito y cuando acabó, todos los músicos tomaron los vuelos de vuelta a sus respectivos hogares. Pero aviones hacia Chile no saldrían sino hasta el día siguiente.

Fred Schneider —bajista de la banda anfitriona del festival, Eclat— llegó esa mañana a buscar a Claudio. El músico así lo recuerda: “El compadre me pregunta qué voy a hacer hoy y le digo que estoy botado. Tenía todo el día y estaba quedándome en un hostal que era como para película de miedo. No era feo, pero era muy largo, con unos pasillos enormes”. Fred lo invitó entonces al pueblo donde tocaría más tarde, a una hora de viaje.

En la marcha, ya alejados de la ciudad, pararon el auto en una casa de campo enorme donde llegaron a través de caminos de tierra. Dentro había un hombre de unos 60 años, canoso, grande y un poco gordo, tomando cerveza, que los invitó a pasar. Claudio vio una mesa de pinball, varios bajos y fotos del fondo marino colgando en las murallas.

El dueño de casa, al saber que uno de sus invitados era chileno, comenzó a hablarle del sur del país, de lo lindas que son esas tierras. Conversaron un rato hasta que llegó la hora se seguir el camino, cuando Fred habría de contarle a Claudio que su amigo fue el fotógrafo de Jacques Cousteau por muchos años, por eso las fotos del mar.

Para llegar al pueblo de destino debieron conducir a través de las montañas y pasar campos de flores por una hora más. Durante el viaje, la mente de Claudio empezó a trabajar e imaginó que llegarían a un bar legendario perdido en los Alpes, pero al encontrarse en Beaumont de Pertuis no pudo sino creer que se encontraba en una dimensión desconocida: “Era una especie de aldea de duentes de 1450. Un pueblo medieval”.

La comunidad del lugar donde llegaron organizaba en ese momento el festival “La voz de la música”. Claudio no entendía nada, incluso creyó estar en el paraíso: “Clima primaveral, mucha gente, familias enteras escuchando con un respeto increíble, una plaga de golondrinas en el cielo y gente que vendía o cambiaba instrumentos en la calle”.

Eran las 4 de la tarde cuando Fred debió probar sonido para la presentación que vendría. Después de eso, los músicos fueron a canjear sus vales de almuerzo al expendio de comida oficial del evento. “Empanadas: €2. Vino: €1. Cerveza: €1. Sí, empanadas. Escrito en chileno textual”, recuerda el músico. Y remata: “Las empanadas son la comida tradicional de Chile, ¿por qué las están vendiendo acá en la ciudad de Oz?”.

Maritza era una doctora chilena que escapó del país en 1973, tras perder a su pareja. En Francia conoció a su marido actual, con quien se instaló en Beaumont de Pertuis. Dejó la medicina para dedicarse a la artesanía y sedujo con sus empanadas a los habitantes, tanto que junto a un grupo de cocineras las hizo la comida oficial de “La voz de la música”.

Con la comida en sus manos y Fred tocando con su dúo Double Face, Claudio escuchó la música y la suma de todos los factores que vio lo impresionó de una forma tal que se le escaparon un par de lágrimas. No lo podía creer.

La primera vez que Claudio giró fuera del país tomó su guitarra y pensó: “gracias a esto estoy aquí”. Entonces entendió que la música le estaba permitiendo cumplir sueños. “Me sentí agradecido del universo, de la configuración de todas las cosas y de la realidad, por poder ser protagonista de una historia tan mágica”, confiesa tras recordarse tomando vino y comiendo empanadas en los Alpes franceses. Después de eso, nada lo sorprende.

Foto: camslecams (cc)

La cantante y ex vocalista de The Cranberries habló de su familia, de sus proyectos musicales, de sus desilusiones amorosas y de la banda que lideró por trece años.

Un 6 de septiembre de 1971, en Irlanda, nació una de las voces más sublimes e incomparables de aquel territorio celta: me refiero a Dolores O’Riordan, alma máter de The Cranberries. “Dolly”, como comúnmente es nombrada, es hija de Eileen Greensmith y Terence O’Riordan, y es la menor de siete hermanos -cinco hombres y dos mujeres-. Dolores encarnó a esta vida en Ballybricken, poblado que se encuentra a ocho millas de Limerick, la tercera ciudad de Irlanda más grande después de Dublín y Cork.

Esta cantante de intensos ojos verdes, de 45 kilos y de 1.61 metros de estatura admite que sus hobbies son cocinar, ir de shopping, pescar, estar con su familia y ver películas. Dolores se casó el 18 de julio de 1994 con Don Burton, canadiense y antiguo manager de Duran Duran. Ellos se conocieron cuando los Cranberries estaban teloneando a los ingleses. Su matrimonio estuvo repleto de extravagancias. El sagrado vínculo se efectuó en la Abadía “Holy Cross” en la localidad irlandesa de Tipperary. El vestido de novia de Dolores estuvo fuera de los cánones convencionales: era blanco y bordado, pero transparente, al punto que podía distinguirse, claramente, su ropa interior. Mientras que su alto y corpulento esposo, para concluir con la ceremonia católica, consiguió un carruaje, llevado por un hermoso caballo albino. Dolores compuso una canción que hace referencia a su matrimonio; ésta es “Will you remember?” (¿Recordarás?): “¿Recordarás el vestido que usé?/¿Recordarás mi cara?/¿Recordarás el lápiz labial que ocupé?/Este mundo es un lugar maravilloso”.

Dolores Mary Eileen O’Riordan, a los 13 años, no deseaba convertirse en una mujer. De hecho, se juntaba con niños y los imitaba, pero evitaba llamarles la atención. No usaba ni vestidos ni faldas cortas; al contrario, prefería los jeans y las poleras. Los padres y los profesores de “Dolly” insistían en que la pequeña debía tener el pelo largo, como el resto de sus compañeras, pero Dolores tomó una postura rebelde y no se le ocurrió nada más ingenioso que pegarse chicle en la cabeza, por lo tanto, tuvieron que cortarle el cabello sí o sí. Pero es en la adolescencia donde esta irlandesa se da cuenta que la música será el vehículo que conducirá su vida. O’Riordan recuerda: “Una de mis primeras experiencias fue en quinto, en la escuela, y mi profesora me llevó a la sala del sexto año, donde habían niñas de 12. Mi profesora me sentó y me dijo que cantara (…) Siempre adoré y quise cantar. Comencé a cantar y, después, aprendí a hablar”. Cuando Dolores tenía doce años escribió su primer tema: “Calling”. Éste hablaba sobre un amor platónico hacia un hombre mayor.

La vida de Dolores no ha sido color de rosas. Cuando todavía era un bebé, su padre sufrió un accidente en moto y permaneció en silla de ruedas. Quien se hizo económicamente responsable de la familia fue Eileen, madre de O’Riordan. “Dolly”, por otra parte, aprendía a tocar piano y cantaba en el coro de la iglesia. Los años pasaron y la niña que impedía a toda costa mostrar su lado femenino, creció. A los 17, se interesó por la guitarra acústica, pero, a esa misma edad, se enamoró. Mike O’Mahony, su novio de aquel entonces, le pidió que se fuera a vivir con él. La primigenia cantante tenía tan sólo 18 años y ya se había convertido en la vocalista de The Cranberries. La familia O’Riordan no estuvo de acuerdo con esto; incluso, Dolores declaró: “Mi madre quería que yo estudiara en la universidad o algo por el estilo, pero le prometí que lo haría si es que el proyecto con los Cranberries no funcionaba. Ella se enojó cuando dejé mi casa para vivir en Limerick con mi primer amor y cuando empecé a tocar con la banda”. Aunque, a pesar de aquellos inconvenientes, cumplió su anhelo más grande: ser cantante. “Siempre quise ser cantante, de pequeña. Cuando era adolescente, mi sueño se hizo realidad y me convertí en estrella de rock”.

Cuando Dolores se unió a The Cranberries, la agrupación estaba buscando un nuevo o una nueva vocalista, ya que el anterior -Niall Quinn- tenía otros planes musicales con unos tales The Hitchers. Noel Hogan, guitarrista de la banda, relata: “Estábamos buscando un cantante; teníamos un montón de temas, pero sin letra. Un amigo de un amigo nos habló de Dolores. Llegó al lugar donde ensayábamos e interpretó algunas canciones compuestas por ella. Inmediatamente, supimos que esta chica podía cantar. Eso fue todo: Dolores estaba en la banda”. Por otra parte, Dolly rememora: “Mi primera impresión de los chicos fue algo como: ‘¡Oh, Dios, son tan modernos!’. Ellos eran de la ciudad, mientras yo era una niña del campo”. Cuando le pregunto a Hogan por qué decidieron llamarse The Cranberries, responde que “el nombre se nos ocurrió porque no podíamos pensar en nada más. Nunca tuvo un gran significado para nosotros; fue lo primero que se nos vino a la cabeza”.

Los Arándanos (traducción de Cranberries), en 1990, comenzaron a grabar algunos demos. Uno de ésos era “Iosa” (Jesús), tema compuesto por Dolores, en gaélico irlandés, dedicado a su abuelo Joe. La canción sólo fue tocada en vivo en el Live at London Underworld del año ‘91. O’Riordan explicó que “teníamos un demo con dos versiones de Iosa: una en inglés y otra en gaélico. Lamentablemente, nuestro primer manager no nos permitió publicarlo”. Mientras tanto, Noel Hogan, Mike Hogan y Fergal Lawler, los otros miembros de la banda, estaban preparados para ser reconocidos en aquellas latitudes irlandesas. La primera canción del cuarteto fue “Linger”, la cual hace referencia a una desilusión amorosa de la protagonista de este perfil.

Dolores no era feliz, a pesar de haber concretado el deseo de ser una rock-star. Su relación sentimental con Mike O’Mahony se había transformado en un insostenible calvario. Él la maltrataba física y psicológicamente. Solía bofetearla, insultarla y menospreciarla. Pero ella no podía alejarse de su torturador. De hecho, en la entrevista, cuenta que, cuando escribió Chrome Paint (maqueta de 1990), “estaba muy deprimida, ya que mi primer novio serio, Mike, me decía que necesitaba ser sexy y hermosa… siempre intentó probar que yo era mala y fea”. Sólo es cosa de leer la letra de esa canción: “Siempre me culpas de todo/Pero no es la forma en que debería ser/No merodees por mi puerta/No quiero verte más”. El 6 septiembre de 1992, cuando O’Riordan cumplía 21 años, decidió terminar su compromiso con Mike O’Mahony.

El segundo disco de estudio de los Cranberries, “No Need To Argue” (No hay necesidad de discutir), está inspirado en la agotadora y enfermiza relación de Dolores con su ex pareja. Canciones como Twenty-One (Veintiuno), Empty (Vacío), Everything I Said (Lo dije todo), Disappointment (Desilusión), Ridiculous Thoughts (Pensamientos ridículos), Daffodil Lament (El lamento del narciso) y el tema que da origen al nombre del disco demuestran ese sentimiento depresivo de la irlandesa. Cuando le pregunto a Dolores cuál es su cranberry-song favorita y, si alguna vez, ha llorado escribiendo una, la cantante responde: “Recuerdo cuando mi primera relación terminó, en 1992, llegué a casa de mi familia después de un horrible tour por Inglaterra. La gente a mi alrededor estaba feliz, pero yo me encontraba en un completo desastre. Entonces, subí a mi habitación, tomé mi guitarra y, mientras las lágrimas brotaban, escribí una canción llamada No Need To Argue. Y pocos años después, cuando la tocamos, no la podía cantar porque comencé a llorar”.

Pero como bien dice el refrán “Después de la tormenta sale el sol”, Dolores logró sanar las heridas de su alma y volvió a confiar en el amor. Inesperadamente, en 1994, cuando los Cranberries andaban de gira con Duran Duran, O’Riordan conoció al manager de la banda inglesa: Don Burton. “Dolly” declara que su esposo “es el amor de mi vida; es un hombre grandioso, por el cual vivo”. No obstante, el corazón de Dolores no sólo le pertenece a Don; también se reparte entre los tres hijos del matrimonio: Taylor (1997), Molly (2001) y Dakota Rain (2005). Esta mujer de 37 años cuenta que uno de los tres tatuajes que posee en su cuerpo fue en honor al inmenso amor a su esposo: “El primer tatuaje, en mi brazo izquierdo, me lo hice, creo, en 1996, en homenaje a Don. Aunque juré que nunca me haría uno. El segundo tatuaje es una cruz celta, y es parte de mis raíces nacionales irlandesas. El tercer tatuaje es nuevo y está en mi brazo izquierdo; éste lo hice por mi primer hijo. Se llama Taylor”.

Al conversar con O’Riordan acerca de cómo se inspira para componer sus canciones, manifiesta: “Mi vida es mi inspiración; hay cosas buenas y hay cosas malas. Mi inspiración son mis hijos, mi marido, mis parientes, mi familia”. De hecho, el cuarto trabajo discográfico de los Cranberries, “Bury the Hatchet” (entierra el hacha, literalmente, o hacer las paces), está repleto de estrofas vinculadas a las experiencias personales de Dolores. Animal Instinct (Instinto animal), You & Me (Tú y yo), Shattered (Destruida), Saving Grace (Un punto a favor) y Baby Blues (Depresión posparto) son temas dedicados a Taylor, el primogénito. Si habría que indicar cuáles son los principales tópicos de las letras de los Cranberries, Noel Hogan, guitarrista de la banda, tiene la respuesta: “Amor y vida”. Cuando le pregunto a él cuál es su canción y disco favorito de los Cran, confiesa que “es muy difícil tener una canción o disco favorito, porque todas los temas te hacen recordar diferentes etapas de la vida y siempre significan algo para ti porque tú las escribiste”.

O’Riordan compone como si estuviese redactando una autobiografía. No hay ninguna canción que se aleje de sus problemáticas existenciales, de los desamores, de su vida marital y como madre, y de su árbol genealógico. En el tercer trabajo de estudio de la agrupación, llamado “To The Faithful Departed” (A los fieles difuntos), Dolores escribió Joe, track inspirado en la muerte de su abuelo. Al escucharlo, pareciera que su particular y frágil voz nos transportara a los apacibles paisajes irlandeses: “Nosotros caminamos por los campos de dorado heno/Aún te recuerdo/Nosotros caminamos por los campos de dorado heno/Te veo en el verano”. La protagonista de este perfil, cuando habla de su abuelo, expresa: “Realmente lo amé. Fue el único amigo más cercano que tuve durante mi infancia”.

Noel Hogan, cuando se refiere a la banda, se sincera y recalca lo siguiente: “Estar con los Cranberries fue una gran época en la vida de todos nosotros. Es como una familia, donde tienes días buenos y otros horribles, pero los buenos días deben superar a los malos. Hemos vivido tantas cosas que me costaría escribirlos en una sola oración”. Pero, ¿por qué a pesar que los integrantes de los Cran se sentían tan cómodos trabajando en equipo, prácticamente como una verdadera familia, decidieron tomarse un break y que cada uno construyera un camino en solitario? Hogan declaró: “Siempre dijimos que, quizás, no sabíamos cuándo, nos volveríamos a reunir. Todos teníamos diferentes planes en ese momento y había que hacer las cosas bien. Nos dimos un descanso porque estuvimos juntos por trece años y sin parar, y todos teníamos hijos. Es más complicado hacer un tour por un año”. En relación a la distancia que tomaron los miembros de la banda en el 2003, Dolores O’Riordan indicó que “fue una decisión difícil para nosotros, pero necesitábamos libertad y espacio”.

Ante la pregunta: “¿Y los Cranberries se reunirán pronto?”, Noel señaló: “Nunca digas nunca”. Y Dolly cree que “la vida es impredecible y, en este tiempo, hemos sido felices con las cosas que hacemos… tal vez, algún día”. La separación acarreó consecuencias: Hogan, el guitarrista, llevó a cabo, en el 2005, su proyecto “Mono Band”. En esta labor participaron diversos cantantes under, por ejemplo, el inglés Richard Walters, Alexandra Hamnede, de Suecia, y la noruega Kate Havnevik. Por otro lado, O’Riordan lanzó su primer disco como solista en mayo de 2007. Éste se llama “Are you listening?” (¿Estás escuchando?). Dolores tiene sus propios músicos, con quienes se ha presentado en vivo en casi todos los rincones del planeta e, incluso, realizaron un concierto, aquí, en Chile, en el 2007. Sus compañeros de gira son Steve DeMarchi (guitarra), Denny DeMarchi (teclados y segunda guitarra), Marco Mendoza (bajo y coros) y Graham Hopkins (batería). Steve y Dolly trabajan juntos hace años, desde la época con Cranberries. DeMarchi cuenta su historia: “Trabajé como músico con los ‘berries’ entre 1996 y 2003. Conozco a Don Burton -esposo de Dolores- hace bastante tiempo. Don solía trabajar conmigo en una banda que formé, Alias.

Tuvimos unas pocas canciones en el número uno en Norteamérica. Nos disolvimos porque el grunge se volvió demasiado popular. Don, entonces, se fue a trabajar con otras bandas; Duran Duran, primero y, después, The Cranberries. Me llamaron en el ‘96 para que fuera de gira con ellos… ¡fantástico!”.

Si hay una palabra para definir la personalidad de O’Riordan, ella misma la tiene: “Soy porfiada. Quizás sea algo bueno o, tal vez, no”. Noel Hogan asevera que “trabajar con Dolores fue genial; ella lo es”. Reconoció, además: “Hay personas con las cuales te conectas de inmediato y así se hace fácil trabajar con ellos”. Steve DeMarchi, también quiso referirse a su compañera: “Es increíble trabajar con ella. Es muy enérgica, centrada y divertida. Se caracteriza por ser una mujer grandiosa e inteligente, pero si quieres saber cuáles son sus defectos, pregúntale a Don. No tengo nada negativo que decir”. Otra persona que, de igual forma, conoce a la intérprete de Zombie es el hermano de Steve, Denny DeMarchi. Él comenta: “Trabajar con Dolores ha sido una experiencia muy espiritual para mí. Ella es una cantante admirable y con un oído excepcional. Tiene un corazón hermoso y un alma para la música que, realmente, lo llegas a sentir así, sobre todo, en las presentaciones acústicas. Es demasiado entretenido viajar con ella y siempre encuentras algo divertido qué hacer; jamás un momento aburrido. Me encanta su habilidad de combinar melodías bellas con un toque de sonidos rock”.

En relación a los temas de O’Riordan, Steve DeMarchi manifiesta: “Sus canciones son espectaculares. Pienso que el disco ‘Are you listening?’ es uno de los mejores, lejos; no sólo porque participé en éste. Creo que Dolores compuso grandes canciones; se tomó su tiempo en escribir. Sus canciones suenan perfecto cuando las tocamos en vivo, desde mi perspectiva. Me fascinan, también, los temas de los Cranberries. Fue premiada con el don para escribir”. Cuando le pregunto al guitarrista de Dolly si le gustaría que el cuarteto volviera a reunirse, expresa que “sería genial si los Cranberries se juntan de nuevo, pero ella quiere continuar con su carrera como solista”.

Dolores, en esta entrevista, anunció que, en el 2009, lanzará su segundo disco. “Mi nuevo álbum se basará en el sonido del piano, pero también hay sorpresas rockeras. Aún no he pensado en el nombre de este trabajo”. The Cranberries son lo que son ahora porque, como bien se titula el primer disco de la agrupación “Everybody else is doing it, so why can’t we?” (Todo el mundo lo está haciendo, ¿por qué nosotros no?), se atrevieron, confiaron en su capacidades musicales y crearon lazos indestructibles entre ellos mismos que les permitieron ser íconos en su tierra natal y en otros recónditos lugares, como Chile. Larga vida a estos irlandeses.

Foto: trentfernandes (cc)

Andrea Álvarez es una baterista y percusionista argentina, reconocida en su país por ser una de las pocas mujeres en dedicarse a vivir entre baquetas, platillos y timbales. Esta trasandina, que se encuentra promocionando su disco “Doble A”, cuenta cómo surgió su interés por la música, el por qué de su pasión por los beats del tambor y se refiere, también, a sus relaciones profesionales con artistas de la talla de Celia Cruz y Tito Puente.

¿Por qué quisiste aprender batería y percusión? ¿Cómo aprendiste?

Estudié Música de muy chica, medio jugando, y la batería fue una decisión de adolescente. Me gustó, mis viejos me apoyaron y lo llevé adelante junto a buenos maestros que me entusiasmaban. La percusión vino mucho después, cuando vivía en Nueva York y lo vi, más que nada, como una salida laboral. Pero ni bien empecé, me enamoré de todos los instrumentos. También está la voz que es, para mí, lo más difícil. Mis maestros de formación fueron, en batería, Horacio Gianello y, en percusión, Frank Malabe de Nueva York. En Canto, ahora estoy con Esteban Sielicki y, en batería técnica, con Sebastián Hoyos. Yo necesito, cada tanto, tomar clases de batería para estar al día.

¿Qué significa la música en tu vida? ¿Te dedicas a otras cosas, aparte de ser baterista?

La música es la manera que yo elijo para comunicarme y es mi vida, en general. Ser músico es como una marca de la vida. No es que yo, a ratos, soy música; soy eso todo el tiempo desde que tengo uso de razón. Es una vocación. Una profesión, una carrera y es estar todo el tiempo pensando y sintiendo desde ese lugar. Fuera de la música, me dedico a cosas domésticas de la vida en general, como todo el mundo.

¿Cómo llegaste a tocar con artistas tan reconocidos como Soda Stereo, Charly García, Celia Cruz y Tito Puente?

Llegué a tocar con todos los artistas que me convocaron, primero, porque estoy capacitada para hacerlo. Segundo, porque empecé de muy chica, cuando no había muchos músicos en la escena y todos nos conocíamos y estábamos en contacto, así que, si podías hacerlo y estabas capacitada, te llamaban. Una banda lleva a la otra, te ven, quieren tocar con vos, etcétera. Si lo haces mal nadie se fija ni te llama y, si lo haces bien, todos te quieren tener en el escenario.

¿Qué implica ser una de las pocas y mejores bateristas mujeres de Argentina? ¿Qué tuvo/tiene de bueno y malo?

Cuando empecé sólo conocía a Mari Sánchez, que se fue a vivir a España. Era más grande que yo y estudiaba con mi profe. Después, conocí a Liliana Vitale. Pero yo fui la que primero se dedicó, totalmente, a la profesión y al instrumento en particular. Sentir, se siente bien. Pero no es ni un juego ni una competencia. Se siente más que como mujer, como persona. Ahora, por suerte, hay muchísimas chicas que se dedican al instrumento. Algunas más de forma profesional que otras. Eso es muy enriquecedor para la escena musical.

¿Cómo nace tu inquietud por formar una carrera solista? ¿Colaborabas igual con otros músicos?

Sigo tocando como música invitada del artista que me llame. En el 2000, empecé a componer y ahí comencé a tener la necesidad de hacer un disco de todo lo que estaba haciendo. Antes, me conformaba con acompañar a otro, pero, de repente, me empezó a salir música del cuerpo y desde ahí ya han pasado tres discos.

¿Por qué tu disco “¿Dormís?” (2006) se llama así? ¿Cuál es la temática de tus canciones?

“¿Dormís?” es el nombre de la canción que yo considero mas representativa del disco; es la que resume el espíritu general del disco entero, que es un despertar y un hacerse cargo de lo que uno es. Ahí empecé a tener una banda fija y un sonido más definido. Luego, comencé a cerrar mi búsqueda de una identidad para llevar mi música adelante. La temática es la misma de siempre: las cosas que me interesan y mi visión de la vida.

Y la misma pregunta para “Doble A” (2008). Quizás, cae de cajón, pero ¿se llama de esa forma por “Andrea Álvarez”? De hecho, en una foto vi que te tatuaste la letra A en tus brazos.

Es el nombre de la canción que, también en este caso, resume el espíritu del disco entero. “Doble A” trata de las pilas AA y de una pareja que se divierte con juguetes sexuales, que llevan esas pilas, justamente. El disco habla sobre la relación que tenemos las personas -como parejas y como compañeros de trabajo- en la vida, en general. Y llamé, para producirlo, a Jim Diamond, quien fue el productor de los primeros discos de White Stripes. Esto, para mí, fue cambiar de nivel y apostar a muchísimo más. Musicalmente, estoy muy feliz con este disco.

¿Qué opina tu familia acerca de tu carrera? ¿Has tenido algún inconveniente? ¿Piensas renunciar a la batería en el futuro?

Yo soy una persona que es jefa de su propia familia, así que no necesito la opinión de nadie de afuera en mi vida, para nada. Mis padres me apoyaron, más que nada, viendo mi fuerte convicción y vocación. Los inconvenientes que aparecen tienen que ver con la sociedad en que vivimos, la manera en que, lentamente, aparecen cambios con respecto a la mujer protagonista de la vida y cómo hay que luchar en este país siendo artista. La batería no es lo único que yo hago. Es una de las formas en que me expreso. Canto, compongo… Cuando uno es algo, no se renuncia nunca a eso; es imposible.

¿En qué se encuentra Andrea, actualmente? ¿Cómo ha sido este 2009 para ti?

Actualmente, me encuentro presentando “Doble A” en vivo. Este año hicimos nuestro gran show en Niceto, que para mi proyecto es algo muy importante. Fue muy exitoso, igual que las críticas del disco. Además, me dedico a la docencia. Doy clases particulares de batería y percusión, y acompaño a DJs con la percu y toco con músicos. Estoy proyectando viajar, presentando el disco, así que éste es un año muy feliz para mí.

Sitio oficial: http://www.andreaalvarez.com/

Enemigo es una banda chilena que emerge al mundo musical en 2008. Sus integrantes son Patricio Maripani, voz principal y segunda guitarra; Giampiero Rienzi, primera guitarra; Carlos Hernández, bajo y coros; y, Luis Rivera, batería y percusión. En la actualidad, trabajan en la grabación de su primer disco.

Hernández, bajista de la agrupación —y encargado de dar entrevistas—, cuenta que su interés por la música comenzó “a los nueve años, cuando encontré una vieja guitarra Tizona en la casa. Le traté de sacar sonido, lo cual irritó tanto a mis padres que terminaron metiéndome a clases de guitarra. Me acuerdo que ensayaba a cada rato hasta que se me marcaban los dedos. De ahí en adelante vinieron las ganas de tocar en público”. Este porteño de 28 años no sólo toca guitarra y bajo: “Aparte, toco mandolina, flauta dulce y espero, más temprano que tarde, aprender piano. Sí canto; me gusta mucho cantar y hay gente que me ha dicho que lo hago bien”.

¿Cómo surge Enemigo? “Es un proyecto que nace con Patricio Maripani, vocalista y segunda guitarra de la banda, además de creador de los temas. Él publicó en Internet su primer trabajo solista Noches, que se puede descargar desde nuestro sitio. Por intermedio de Twitter lo conocí, y conversando nos dimos cuenta que teníamos gustos musicales e ideas parecidas. A través de él llegan Giampiero Rienzi y Luis Rivera para, así, terminar el cuadrado de Enemigo. El nombre de la banda es algo que surge de Patricio; tenía presente el nombre para su futura banda y a nosotros nos pareció súper acorde”.

Carlos Hernández cree que las redes sociales sirven para dar a conocer el trabajo musical: “Alguna vez en la vida me gustaría hacer algo solo. Y sí, lo más probable es que utilizaría las redes sociales para difundirlo. Ahora, en lo musical, estoy enfocado en Enemigo, en donde sí hemos usado Facebook, Jamendo, Last.fm y Twitter para que la música llegue a la gente, además de nuestra web”.

El bajista de la banda, en relación a la música made in Chile, opina que “con el mismo asunto de las redes sociales se ha podido dar a conocer nuevos artistas y nuevos sonidos interesantes. En lo personal, no soy muy seguidor de la música chilena, fuera de cosas clásicas como Los Prisioneros, algunos temas de Jorge González y de Lucybell. Ahora, de lo nuevo, no estoy muy informado. He oído trabajos de Fanna, Gepe, Javiera Mena, por nombrar algunos, y debo admitir que hay cosas buenas. Si tuviera que recomendar alguno, descargue “Ley de Wolf” de Sauce y, por supuesto, “Noches” de Patricio Maripani”.

¿Cómo es ser músico en Chile? “Supongo que depende del enfoque que quieras darle. La música es un hobby muy serio, pero no es con lo que nos ganamos el pan; cada uno tiene su trabajo remunerado. Bajo esa perspectiva, es muy interesante poder hacer algo que te gusta, juntarte con amigos a tocar y, así, crear cosas. Ahora, ¿si dejaría mi trabajo para seguir una carrera musical, aquí en Chile? No, no lo veo como algo que permita sustentar este tipo de trabajo. Creo que es algo aún centralizado. Los lugares donde surgen la mayoría de las bandas o cantantes son Santiago o Concepción. ¿Qué opciones tienen los de regiones?”, declara Hernández.

Sitio oficial: http://www.enemigo.cl/

A continuación pueden escuchar “De noche”, de Patricio Maripani/Enemigo.